28 may 2023

Pre-estreno documental 'El Peor Héroe del Far West. La historia de un niño llamado Javier Andreu'

El próximo 1 de junio tendrá lugar el pre-estreno del documental de Juan Moya 'El Peor Héroe del Far West. La historia de un niño llamado Javier Andreu' en la sala Berlanga de la SGAE en Madrid (C/ Andrés Mellado, 53).

Sinopsis

“Quiero hablarles de un tipo que vivía en un barrio del Sur de Madrid, un tal Javier Andreu, al menos ese era el nombre que le dieron sus amorosos padres, aunque durante mucho tiempo todo el mundo le conocía como el cantante de La Frontera, así se llamaba su banda, La Frontera.

Y es que al bueno de Javier le dio por componer canciones que parecían sacadas de una película de Sergio Leone. Canciones de indios y vaqueros, de duelos al sol… Como cuando éramos niños… Y contra todo pronóstico consiguieron un gran éxito, sonaban en la radio a todas horas y en los conciertos los jóvenes del lugar bailaban como si les hubiera poseído el mismísimo diablo.

Este no es uno de esos documentales en los que se habla del esplendor y la miseria de una banda de música como la Frontera, ni siquiera es una biografía completa de un artista… Se podría decir que es la historia de un niño, y aquí estoy hablando de Javier Andreu, que consigue vivir la vida sin salir del cuarto de jugar. ¿No os parece que eso es heroico?”

Javier Andreu

Según sus palabras, Javier ha estado “en lo más alto… y en lo más bajo”, ha llenado estadios de espectadores y ha tocado en pubs de mala muerte. No es nada nuevo en el mundo del rock, pero su caso es especial, Andreu ha conseguido de un modo casi “heroico” afrontar el esplendor y la miseria de la profesión con la mirada del niño que nunca dejó de ser. Una ingenuidad buscada, que le permite mantenerse en una especie de “limbo”, un mundo que sigue pareciéndose al que construyó de niño en su habitación, en las interminables horas con su guitarra y su órgano.

Nos interesa conocer cómo un artista como Javier Andreu puede sobrevivir en un mundo tan precario e inestable como la música, siendo alguien que, según su amigo Ojeda, carece de los mecanismos que demanda la feroz industria musical. Es un artista con una sensibilidad especial, que ha conseguido mantener una carrera durante 40 años sin renunciar a su universo particular, sin salir del cuarto de jugar.

Desde finales del año 2020 empezamos a mantener contacto con Javier, que en ese momento se encontraba, como toda la profesión musical, sin poder ejercer actividad alguna por la pandemia. Iniciamos las primeras entrevistas con él y comenzamos las labores de documentación. A diferencia de otros trabajos que he realizado en formato documental (“Yo fui un asesino. El crimen de la catana”, “Arny, historia de una infamia”, ambos para Discovery, “Auterretrato” sobre L. E. Aute…), en esta ocasión no vamos a trabajar con un guion previo excesivamente definido, dejando espacio para que las grabaciones transcurran de la forma más orgánica posible, siguiendo la línea del documental que dirigí en 2016, “Mi vida entre las hormigas”, del grupo Ilegales.

Juan Moya

A lo largo de 25 años, Juan Moya (Espelúy, Jaén, 1967) ha desarrollado diversas facetas en el mundo audiovisual. Durante todo este tiempo ha ido compaginando las labores de guion, realización, montaje y dirección, saltando de un medio a otro y desarrollando sus inquietudes tanto en ficción, documental o entretenimiento televisivo.

Tras su paso por la Escuela de Estudios Cinematográficos de Cataluña en Barcelona, siempre ha mantenido un pie en la ficción. Ha sido creador y guionista de la serie “El Caso” para TVE en 2016. Director y guionista de documentales como, “Arny, historia de una infamia”, “Yo fui un asesino. El crimen de la catana” (Discovery), o “Mi vida entre las hormigas. El documental de Ilegales” (Movistar). También en el género documental ha sido guionista y montador de “Aute retrato”, película nominada a los Premios Goya 2020, o la reciente ganadora del GOYA 2023 “Labordeta, un hombre sin más”

[Fuente: Nota de prensa]

26 may 2023

Warner reedita "Privado", "Listos para la reconversión" y "Gran vía" en vinilo

Warner Music continúa escarbando en sus archivos locales e internacionales para ofrecer cuidadas ediciones en vinilo de los álbumes de su vasto repertorio.

Gabinete Caligari "Privado" (1989)
Edición en vinilo de este disco publicado en 1989. Tras el éxito de crítica y público de "Camino Soria" (1987), Gabinete publica otro álbum redondo en el que destacan clásicos de su repertorio como "Amor de madre", "Solo se vive una vez" o "El profesional". Incluye también su gran éxito "La culpa fue del Cha Cha Cha". Disponible nuevamente en vinilo tras su fecha de publicación original.

Rosendo "Listos para la reconversión" (1996)
Edición en vinilo del octavo disco de estudio de Rosendo, publicado en 1996. Grabado en Almería y mezclado en Madrid con la producción de Eugenio Muñoz. Disponible por primera vez en vinilo.

Antonio Flores "Gran Vía" (1988)
Edición en vinilo del tercer disco de Antonio Flores, publicado en 1988 y que este año celebra su 35 aniversario. Incluye su famosísimo tema "Gran Vía" y otros clásicos de su repertorio como "Luces de alcohol" o "Yo quiero atrasar el reloj" donde muestra su talento como compositor y se acerca a sonidos rock con letras rotundas y sensibles al mismo tiempo. Producido por Carlos Narea. Disponible nuevamente en vinilo tras su fecha de publicación original.

[Fuente. Warner Music Spain]

20 may 2023

Popular 1 celebra su 50 aniversario

Creada en Barcelona en 1973, Popular 1 cumple 50 años de existencia con el mismo equipo fundador, José Luís Martín, aka Martin J. Louis, como director y Bertha M. Yebra, subdirectora. Así lo explican desde su web oficial, dado detalles del número especial que acaban de lanzar con casi 150 páginas:

"En mayo, Popular 1 cumple su 50 Aniversario y lo celebramos por todo lo alto con un número espectacular de 148 páginas, en el que repasamos la Historia de la revista y del Rock’n’Roll a lo largo de los últimos 50 años.

Recordamos reportajes icónicos del Popu desde 1973 hasta la actualidad, recuperamos fotos clásicas y también imágenes inéditas de nuestros archivos, comentamos algunos de los mejores discos y películas de estas cinco décadas, etc…

Y para convertir esta celebración en algo más especial aún, hemos invitado a algunos de nuestros músicos favoritos para que hablen de sus propias obras o de sus discos preferidos. Entre otros, encontraréis a Billy Gibbons, Amanda Shires, Rhiannon Giddens, Gene Simmons, Ian Astbury, Jesse Malin, Tommy Stinson, Carlos Tarque, Javier Gurruchaga, Salvador Domínguez, Dani Filth (Cradle of Filth), Starbenders, Charly Glamour, Luz Casal, Starcrawler, Glen Matlock, Ian Hunter, Marcus Blake, Redd Kross, Skid Row, Chuck Leavell, Steve Hackett, Michael Monroe, Manolo García, Joe Lynn Turner, Lucinda Williams, Ian Gillan, Marah, Phil Ehart (Kansas), Jean-Jacques Burnel (Stranglers), Ramoncín, John Diva, Jon Spencer, Andy Cairns (Therapy?), Ginger Wildheart, Vivian Campbell, Midnight, CJ Wildheart, David Paich (Toto), Ville Valo, Leather Leone, Dante Gizzi (Gun), Luther Dickinson (North Mississippi Allstars), Teri Gender Bender (Le Butcherettes), Larkin Poe, Steve Conte… Además, charlamos con antiguos redactores de la revista como Jordi Sierra i Fabra, Jaime Gonzalo, Xavier Santigosa, Nando Cruz, Marc Pagés, Jordi Bianciotto o Marc Picanyol. Y podréis leer nuevas reseñas a cargo de Richard Royuela y Jordi Meya, que a su vez recuerdan sus experiencias en el Popu décadas atrás.

Por otra parte, Bertha y Martín Frías cuentan cómo surgió la idea de crear la revista y publicamos fotos inéditas de algunos de sus reportajes pre-Popular 1. En definitiva, se trata de un número de coleccionista. Lo hemos confeccionado con cuidado y cariño a lo largo del último año, y en mayo estará por fin en la calle!"

Feicidades Poular 1.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

'Relatos de Rock'n'Roll' de José Luís Zapatero fue presentado ayer en Madrid

Los libros —como las películas, como la vida misma— tienen banda sonora. En Relatos de Rock’n’Roll esto cobra especial importancia ya que se trata de diez historias muy diferentes entre sí, pero que comparten una característica singular: la música. Bajo esta original premisa nos adentraremos en entornos con claro trasfondo musical, como el Londres de principios de los sesenta, el Madrid de la Movida o el festival de Woodstock, y en otros más imprevisibles, como una residencia geriátrica o las aulas de primaria de un colegio.

Nos enfrentaremos a un asesino en serie y seguiremos el rastro de Elvis para averiguar si vive aún. Viajaremos al futuro, desentrañaremos el misterio oculto tras una canción y viviremos de nuevo el confinamiento que trajo el covid. Un libro así tiene que sonar y por eso incluye una lista de reproducción con las melodías que recorren sus páginas. Lo disfrutarás seas o no aficionado a la música, porque la vida es rock'n'roll, es agitación, diversión y emociones. Y eso es lo que se desprende de estos relatos. Ya lo decían los Rolling Stones: Es solo rock'n'roll (pero me gusta) .

El autor José Luis Zapatero, lo presentó ayer 19 de mayo en la Biblioteca Municipal Iván de Vargas de Madrid, en la que estuvo acompañado por Jesús Ordovás (periodista y escritor) y Ramiro Domínguez (editor, Silex). La muestra musical corrió a cargo de Jorge Duret.

[Fuente: Nota de prensa]

'Madrid: Crónica creativa de los 80'. en Fundación Canal (Madrid)

Desde ayer, 19 de mayo, y hasta el 20 de agosto, se podrá visitar la exposición colectiva 'Madrid: Crónica creativa de los 80' en la Fundación Canal (Mateo Inurria, 2. Madrid).

Nota de prensa de Fundación Canal:

"Con motivo de la conmemoración del 40º aniversario del Estatuto de Autonomía de la Comunidad de Madrid la Fundación Canal presenta esta exposición que pone de manifiesto el fenómeno social que supuso la década de los 80 en la región en los campos social, cultural, artístico, económico… Una explosión de creatividad que va más allá de su famosa “Movida”. La exposición habla, a través de la creación artística, de la importancia de Madrid en la génesis de la sociedad española actual y de su apertura a los nuevos tiempos.

Una mirada a la música, el cine, el arte, la política, la moda y la vida de esta época fértil, convulsa y llena de ilusión, que apunta a los hitos y la iconografía de toda una generación a través de elementos clave de esos años como fotografías, pinturas, periódicos, revistas, carteles, fanzines, portadas de discos, anuncios y clips de televisión.

Más de 300 obras procedentes de colecciones privadas y públicas conforman esta crónica visual en la que se podrá ver el trabajo de más de 80 grandes creadores de la época entre fotógrafos, pintores, diseñadores gráficos, etc."

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

19 may 2023

Óscar Cabrera entra en la órbita de Antonio Arias

‘En el satélite de Lagartija Nick. Conversaciones con Antonio Arias’ se sumerge en la carrera del músico granadino durante cerca de 300 páginas, acercándonos a la obra del prolijo e hiperactivo artista, y ahondando en sus inquietudes, sueños y recuerdos más personales. El libro cuenta con la participación de Eric Jiménez, Juan Codorníu, Florent (Los Planetas), Ana Curra, Miguel Ríos, Soleá Morente, Fernando Alfaro y más.

Antonio Arias es uno de los creadores más inquietos de su generación. Su carrera como músico profesional se inició a los 16 años, cuando se unió a los hoy legendarios 091. Tras grabar tres discos con ellos, terminó abandonando la banda para emprender su proyecto más personal con la compañía de su amigo Eric Jiménez, Lagartija Nick. Desde entonces, ha estado construyendo uno de los discursos más ricos y personales de nuestra escena, consolidándose como obligado referente.

Esquivando modas y corrientes, y manteniéndose fiel a un estilo reptiliano y cambiante, y un lenguaje visual único, ha pasado de los ramalazos afterpunk de ‘Hipnosis’ (1991) e ‘Inercia’ (1992), al flamenco de ‘Omega’ (1996) con la compañía de Enrique Morente. De la búsqueda de nuevos prismas en el contundente ‘Val del Omar’ (1997) al accesible ‘El Shock de Leia’ (2007), sin dejar de mutar hasta encontrar la madurez en hitos como ‘Crimen, sabotaje y creación’ (2017). Álbumes ricos y diversos que ha alternado con colaboraciones y proyectos paralelos como Los Evangelistas (junto a Los Planetas) o la exploración de sus ‘Multiversos’ en solitario.

Estas conversaciones, complementadas con una serie de interesantes testimonios, nos ayudan a adentrarnos en la obra del prolijo e hiperactivo artista, y ahondan en sus inquietudes, sueños y recuerdos más personales. Vivencias para conocer a un autor imprevisible y en constante búsqueda.

Edita Muzikalia.

[Fuente: muzikalia.com]

16 may 2023

Laura Piñero publica la historia de DRO, la discográfica que lo cambió todo

La historia del sello discográfico Discos Radiactivos Organizados desde sus inicios, a principios de los años 80 del siglo pasado, hasta los primeros 2000, pasando por los tiempos en que se constituyó en uno de los pilares fundamentales de la industria. 'Aquellos años accidentales. Dro, la discográfica independiente que lo cambió todo' recoge testimonios de músicos, productores, periodistas y otros profesionales vinculados a la discográfica a la que se está rindiendo homenaje, resultando en una colección de anécdotas jugosas que permiten al lector hacerse una impresión general de los manejos internos de la industria musical española, especialmente durante las décadas de 1980 y 1990.

Extracto del libro:

"La increíble historia de la discográfica DRO

Una noche después de un concierto en 2018, terminé de casualidad dentro de una hoguera improvisada de anécdotas. Varios históricos del sello independiente Discos Radiactivos Organizados (DRO) contaban a las nuevas generaciones de la discográfica, absorbida por Warner en diciembre de 1992, cómo arrancaron desde casa un negocio multimillonario que alumbraría a bandas célebres tan dispares como Loquillo, Gabinete Caligari, Siniestro Total, Hombres G, Celtas Cortos, Extremoduro, Los Rodríguez o Duncan Dhu. DRO nació a finales de 1981 como contrapunto a las multinacionales, como una necesidad y un juego. Inesperadamente, crecieron, se fusionaron con otras tres independientes de la época, Tres Cipreses, GASA y Twins, arrasaron con sus lanzamientos y terminaron absorbidos por una gran compañía que ahora gestionan, según ellos, con el mismo espíritu de sus inicios.

¿Quiénes eran estos personajes desconocidos para el gran público que crearon una especie de Silicon Valley madrileño musical junto a otros emprendedores por puro amor a la música?, ¿cómo consiguieron dominar el mercado sin apenas recursos económicos ni experiencia?, ¿cómo fichaban a sus artistas y lograron colarlos en el negocio desde la independencia?, ¿cómo recuerdan los músicos esos años de música, sexo, drogas y rock and roll?, ¿qué infraestructura musical convivía con estos sellos?, ¿qué era eso del ADN-Gen DRO al que hacían referencia?, ¿qué queda de él?, ¿cómo se protege?, ¿es posible ser independiente dentro de una multinacional?, ¿qué papel tienen en la actualidad las discográficas?, ¿qué hemos perdido o ganado 40 años después? Me hice todas estas preguntas con el objetivo de hacer un reportaje para la radio, luego un documental con mi admirado Iván Ferreiro, al que le fascina la historia de su compañía de discos, y en el proceso de documentación, di con tantos personajes y lagunas que tomé la decisión de recopilar sus vivencias.

En paralelo a estas y otras discográficas de esta década, como Nuevos Medios, existió una red de gente joven de distintas disciplinas artísticas o empresariales que apostaron por cumplir sus sueños en una España gris sin importar las consecuencias. En el camino, también se sucedieron las traiciones, los fracasos, las pérdidas, las despedidas y los desengaños. De todo esto va este libro, que pretende ser, más que un ejercicio nostálgico musical, una fuente de inspiración en presente aplicable a cualquier ámbito creativo con la música y las canciones como enlace. No he pretendido en ningún momento hacer una biografía detallada de estos personajes ni de los músicos citados, solo unificar y compartir recuerdos discográficos para construir un relato colectivo. Tampoco están presentes todos los protagonistas ni artistas del fenómeno, solo una muestra representativa. Las declaraciones y datos son reales, fruto de largas horas de charla. Se enmarcan, en ocasiones, dentro de recreaciones ficticias con la intención de trasladar al lector. Sin nuestro pasado, el futuro es un horizonte frágil. Necesitamos referentes, inspiración e historia para seguir creando cultura. Ésta es una historia hecha de cientos de voces."

Laura Piñero, periodista cartagenera afincada en Madrid, locutora en la Cadena SER y colaboradora de El País, presentó el libro editado por Cúpula el pasado 8 de mayo en el Fnac de Preciados (Madrid) con presencia de la autora que estuvo acompañada por Carles Francino (locutor cadena SER), Servando Carballar (fundador de DRO), Alfonso Pérez (fundador de GASA) y Álvaro Urquijo (Los Secretos).

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

7 may 2023

Escucha en Spotify 'Uno', el nuevo álbum de La Unión

Hemos tenido que esperar hasta la primavera de este año para poder disfrutar del nuevo disco de La Unión, con Luís Bolín, su mítico bajista fundador, al mando de todas las operaciones.

'Uno. Grandes éxitos versión salvaje' es el título con el que Bolín comienza esta nueva andadura musical tras la retirada de Rafa Sánchez, hace ya casi tres años, y la triste desaparición de Mario Martínez hace dos. Él ha tomado las riendas del grupo y lanza este recopilatorio con los temas más significativos de los madrileños. Catorce piezas en las que destaca la secuela de 'Lobo hombre en París', ahora como 'Luna llena en París', en el que Luís le da una vuelta de tuerca al más importante hit de La Unión y con el que se dieron a conocer allá por 1984, cuando publicaran aquel magnífico álbum de debut, 'Mil siluetas', a través de Wea.

Todos los temas están reinterpretados por el propio Bolín, además de grabar guitarra, bajo y programaciones, haciéndose acompañar por Rafa de Guillermo (teclados y pianos). Francis García (saxo en 'Lobo hombre en Paris'), Arlesa García (batería), Manolo Nieto (bajo) y otros.

Aventuramos una exitosa nueva etapa de La Unión que, pronto, nos sorprenderán con un nuevo disco con nuevo material.

Tracklist:

01. Luna llena en París
02. Maracaibo
03. Dónde estabas
04. Fueron los celos
05. Más y más
06. Lobo hombre en París
07. Vuelve el amor
08. Sildavia
09. Vivir al este del Edén
10. Negrita
11. Ellas es un volcán
12. La niebla
13. Mil siluetas
14. La tormenta

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

2 may 2023

"Los managers pensaban que las mujeres jugábamos a hacer metal sin tomarlo en serio", habla Daría Ras, la voz del hard-rock burgalés

Burgalesa de nacimiento, Daría Ras es un ejemplo de superación constante. Con formación musical académica, Daría es una de las voces más reconocibles del panorama heavy-metal nacional, aunque ha tocado diferentes palos musicales, desde las baladas al soul, pasando por el hard-rock o el blues. Comenzó funcionando en solitario, con aquel primer disco de 1990, ‘Nº 1’, y después con su grupo de entonces, los ahora renacidos Frío. Estamos ante una artista multidisciplinar, compositora, cantante, pianista e incluso pintora, la otra faceta creativa de nuestra invitada.

Ella ha sido una de las protagonistas del documental ‘Ellas son eléctricas’, dedicado a las pioneras del hard-rock en nuestro país. Damos paso en Nuevaola80 a Daría Ras.


Mariott, Nosferatu, Poseidón, Urano, Avalon o Ayax, por citar algunos, demuestran que Burgos era un importante bastión de bandas heavys, pero… ¿Cómo era aquel Burgos de la década de los 80 en cuanto a la aceptación de solistas de rock femeninas?

La verdad es que ni me lo planteaba. Estaba yo sola, ciertamente, pero no pensaba que era la única. Estabas pendiente de querer estar y, en cuanto a la aceptación, era normal, quiero decir, a nivel de los demás grupos sí que sorprendía y, sobre todo, hasta que no tocabas en directo, nadie creía que tú hacías rock, que hacías heavy. Yo recuerdo los primeros conciertos con Frío en la casa okupa de La Llana donde nunca vi un rechazo de la gente por ser mujer. Más bien el rechazo era, más que en Burgos, a nivel general, como si nadie tomara en serio a las mujeres a la hora de hacer rock.


La iniciativa de Leo Cebrián y Paco Manjón, artífices de ‘Ellas son eléctricas’, ha sido un auténtico revulsivo para dar a conocer a todas esas mujeres que demostraron que también tenían cabida en el rock duro ¿Cómo de complicado te resultó salir adelante en aquel “mundillo” casi exclusivo para el género masculino?

Era prácticamente imposible. De hecho, llegar al gran mercado era imposible porque los managers a nivel nacional, y los conocía a todos llegando a telonear a mucha gente, te metían de teloneras pero pensando que las mujeres jugábamos a hacer a metal sin tomarlo en serio. Claro, al final para una oportunidad comercial discográfica seria, pues no te consideraban, a mí me conocía a todo el mundo, decían que era buena, pero al final eran los hombres los que mandaban, los que hacían los grandes conciertos, y hablo por ejemplo de Gálvez, uno de los principales promotores de  conciertos en Madrid, y me decía que lo hacía muy bien pero que, los unos por los otros, al final nada. Realmente el mundillo era exclusivamente masculino, pero ya no desde el punto de vista de los músicos, sino más bien de los managers, productores, etc.


Con tan sólo 12 años ya actuabas en directo en festivales locales, guitarra en mano ¿Cuándo te diste cuenta que lo tuyo era el heavy-metal?

Pues te voy a contar una anécdota cuando yo estudiaba historia de la música, piano, voz, etc. Con 16 años cayó en mis manos un disco de los Deep Purple, y descubrí a Jon Lord, y me di cuenta que yo como teclista también podía hacer heavy. Me moría de ganas por hacerlo, por la energía que me daba, yo quería hacer “caña”, hacer metal, hacer rock… y fue por los Deep Purple y porque yo quería ser como Jon Lord con aquella energía que transmitía con los Hammond y aquellos solos que eran bestiales. Entonces me dije, los teclados no tienen porque ser dulces y mira lo que se puede hacer. Y ahí fue donde me di cuenta que yo quería hacer rock.


Aparte de cantante también eres teclista ¿Te sientes más a gusto al micro o con las teclas o, simplemente, una cosa va de la mano de la otra?

Yo soy compositora, compongo con el piano, aunque empecé con la guitarra, entonces va de la mano. Me siento tan a gusto tocando como cantando y, por supuesto, haciendo las dos cosas a la vez. De hecho, ahora de nuevo con Frío, he vuelto a los orígenes y a hacer temas en los que, en directo, también yo hago los teclados tocando de pie. Me siento muy cómoda de esta manera. Te diré que, en épocas que he estado sola cantando, ya que nos acompañaba un teclista con Frío, lo echaba de menos, por lo que para mí las dos cosas son igual de importantes.


Cuéntanos como se gestó aquel primer disco de 1990 que antes citábamos.

Yo tenía un montón de canciones, ya componía mucho y había hecho conciertos en solitario. En aquel momento tenía una cinta con temas grabados en plan básico. Corría el año 1989, le dejé la cassette a una amiga que los escuchó y le gustó de tal manera que, por su cuenta y riesgo, a través de un anuncio,  se la mandó a una discográfica de Madrid, sin decirme nada. Al tiempo me dice, oye qué ha pasado esto, que me han dado esta cinta y contestan que quieren hablar contigo. Se trataba de una pequeña compañía que se llamaba Casino. Querían producirla ellos mismos, pero en ese momento busqué mis propios músicos para grabar bien esos temas que ya tenía compuestos con guitarra, bajo y batería. Entre ellos estaba Diópgenes, el batería, que ya se quedó conmigo para continuar con el proyecto de Frío.


Después vino la etapa con Frío, una cassette y dos discos que enmarcan al grupo como referente del hard-rock melódico ¿Cómo fue aquella época?

Fue una etapa preciosa cuando sacamos aquella primera cassette y los dos primeros discos. Fue un subidón de hacer muchas cosas, muchos conciertos, con la ilusión de que íbamos a triunfar, me refiero a poder vivir de la música. Al final, el hecho de estar en Burgos influyó mucho, no solo por ser una chica, sino porque parecía que estábamos en el tercer mundo. A pesar de todo, fue una época muy intensa pues Frío logramos ser una banda muy consolidada y sin parar de trabajar. Ensayábamos a diario, algo que ahora me parece impensable, y conseguimos sonar como un cañón.


Tu segundo disco en solitario, ‘Alma’, que ya aparece en 2005, cambia radicalmente de estilo, melodías “ablusadas” con un toque más intimista ¿A qué se debió ese cambio de registro?

Cuando abandono Frío fue en un momento en el que estuvimos a punto de firmar con Virgin,, pero al final no pudo ser porque decidieron volver a invertir en Amaral. La compañía había gastado mucho dinero en el primer disco que resultó ser un fiasco, pues son números de empresa, dijeron, y no invertimos más hasta que recuperemos lo que hemos perdido y entonces lo haremos con alguien, con un nuevo grupo que puede ir bien o puede ir mal. Fue una desilusión bastante grande y en ese momento dije, mira la porra. 

Yo siempre he estado componiendo y pretendía seguir tocando en directo, pero con mi piano y mi voz, pensé que no necesitaba a nadie para hacer nada, ¡con dos ovarios!. Obviamente, el disco eran composiciones mías que era imposible, con un solo piano, llevarlo a un sonido más rockero. Entonces me puse a componer temas de blues para presentar un disco de promoción para conciertos. No se trata  técnicamente un cambio de registro, sino yo misma que ya tenía canciones de baladas y de soul para mostrar algo más de mí. Era una cuestión de pensar que quiero seguir en el mundo de la música porque es mi vocación y pienso morirme haciendo música. Seguir tocando sola con un piano era mi solución de continuidad en aquel momento.


Entrados ya en el nuevo milenio, lideras formaciones como Daría Ras Band, paso previo Morgan Club, publicando un disco. Cuéntanos acerca de aquel ‘Once historias’.

Conocí a Rodrigo Vázquez en una tienda donde estaba comprando un teclado y me oyó tocar y cantar el ‘Killing me softly’. Entonces me dijo de hacer algo juntos como unos covers a mi bola y tal, y me pareció interesante. Al tener muchos registros de voz, siempre me ha gustado hacer cosas diferentes y alimentarme de muchos sectores. Después de hacer algunos conciertos grabamos el material en su estudio y se publica ‘Once historias’. Es una de las cosas de las que más orgullosa estoy puesto que había mucha gente que no creía que yo pudiera cantar este tipo de canciones. Fue una etapa que duró tres años en la que me divertí mucho y de la que aún conservo la amistad con Rodrigo.


Y desde 2016, retomas Frío y lanzáis en 2020 ‘Todo se vuelve azul’. ¿Supone una vuelta a la escena en firme o lo habéis planteado como algo esporádico?

Desde luego, considero muy importante esta última pregunta. No fue nada esporádico. Durante el parón que tuvimos todos nos sirvió para enriquecernos, sobre todo porque ninguno de los que éramos Frío dejamos de tocar. Hemos seguido en diferentes bandas por lo que no nos hemos entumecido musicalmente, sino todo lo contrario. La idea es continuar los cuatro juntos ya que siempre hemos estado muy avenidos en lo musical o a la hora de componer. Y entonces vino ‘Todo se vuelve azul’.

 Ahora estamos registrando un grandísimo disco que va a aparecer en breve, cuya primera pildorita es ‘Besos de dolor’ que ya está en Youtube. Se trata de un trabajo bastante cañero con la única pretensión de disfrutar del rock y de ser frescos, sin volvernos a obsesionar como antes con la idea de triunfar. Música sana, hacer conciertos y para adelante. Ahora, al ser más adultos, sabemos lo que queremos y dónde estamos, manteniendo un sistema de trabajo no de diario, pero sí muy metódico y pulcro. Estamos los cuatro muy felices.

Durante la primera etapa en 2016, Rodrigo Vázquez me estuvo sustituyendo a las teclas en directo y llevábamos una corista, pero al final hemos vuelto a los orígenes, formato cuarteto donde yo toco el piano y canto, aunque no en todos los temas. Estoy disfrutando mucho porque me parece que lo que hacemos es muy bueno con una perspectiva más madura, liberada de todo el stress del triunfalismo y sin presión de querer llegar a nada estrambótico. Es quizás ahora, cuando más estamos disfrutando de los conciertos, cuando más seguidores estamos teniendo y cuando más frutos estamos recogiendo.


Aprovechando la ocasión, no podemos dejar de preguntarte acerca de tu otra faceta artística no tan conocida, la pintura.

Respecto a la pintura es mi otro amor. Me considero una persona creativa por necesidad. Siempre lo estoy diciendo cuando no estoy creando, haciendo canciones, cuadros, lo que sea. Me vuelvo una persona bastante inaguantable diciendo que necesito crear. Llevo más de veinte años pintando y lo sigo haciendo, siempre estoy con algún proyecto entre manos. Desarrollé lo que son los cuadros sonoros, donde aúno la música con la pintura, pintando sobre transductores de sonido. Y para mí la pintura es algo que me llena muchísimo, aparte de que también me divierte. No es que pretenda ser un gran pintor, es hacer lo que apetece en cada momento y si encima a los demás les gusta, pues perfecto.

Luego me doy cuenta de que en todo este tiempo he hecho más de 200 obras de las cuales aproximadamente la mitad están vendidas. También hice exposiciones en su día, pero en la actualidad con internet llegas a más gente, no es lo mismo que una muestra al uso en la que pueden verte 20 personas al día. Para mí la pintura es algo vital, el hecho de crear objetos, hacer cuadros tridimensionales, etc. y convertirlos en ideas, va en mi personalidad.


Muchas gracias Daría por tu tiempo.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

Sole Giménez condensa su vida musical en '¡Celebración!'

Sole Giménez presenta un doble trabajo en directo con el que -nunca mejor dicho- celebra 4 décadas de vida musical en un show de más de dos horas y media. Grabado en el Palau de les Arts de Valencia junto a su banda de ocho músicos e invitados. Allí estuvo Antonio José, con quien cantó un tema de Armando Manzanero titulado 'Te espero'; con Miguel Poveda interpretó 'Tus cartas son un vino', poema de Miguel Hernández y; casi al final de la noche, la artista presentó a Joan Manuel Serrat para cantar 'Aquellas pequeñas cosas'.

Como valor añadido aporta un libro de más de 50 páginas diseñado por Lina Vila, donde la periodista Patricia Godes escribe sobre las canciones que definieron la carrera de Sole y Y. M. Mente repasa su biografía. Las páginas contienen textos y fotografías inéditas muy personales de la artista pertenecientes a todas las etapas por las que ha pasado a lo largo de 40 años de carrera.

El trabajo verá la luz el próximo 12 de mayo de la mano de Altafonte.

Tracklist:

CD1
01. Ícaro
02. Me das el mar
03. Recibes cartas
04. Mil mariposas
05. Celebremos
06. Aguas de marzo
07. Te espero (con Antonio José)
08. En la oscuridad
09. Palabras de amor
10. Un tren perdido
11. Tus cartas son un vino (con Miguel Poveda)

CD2
01. Ramito de violetas
02. Aquellas pequeñas cosas + Paraules d'amor (con Joan Manuel Serrat)
03. Mi pequeño tesoro (con Alba Engel)
04. Sentir su calor
05. Como hemos cambiado
06. Rien de rien + Honrar la vida
07. Alma de blues
08. Medley
09. Todas las flores

[Fuente: lahiguera.net]

'Más allá' marca el regreso de Surfin' Bichos

Hubo un tiempo en el que más allá de Surfin’ Bichos no había nada. La irrupción del conjunto albaceteño, con una escena independiente aún en ciernes, lo cambió todo. Hay un antes y un después de los cuatro álbumes que publicaron entre 1989 y 1993.

'Más allá' marca el regreso de Surfin’ Bichos a la actividad discográfica. Treinta años después, se presentan sin artificios y haciendo lo que mejor saben hacer. Como si nada hubiera pasado, con la naturalidad de un asesino. Su paleta de sonidos sigue siendo igual de relevante; su música, igual de afilada. Sus canciones dejan huella. Hypes estacionales al margen, los Surfin’ suenan a lo que quieren sonar. Esto es: pop bastardo; o un rock raro, un poco torcido. Rock de genética punk o proto–punk, cuya suavidad o dureza viene modulada por la emoción, por la historia que te está contando, pero sin perder su carácter orgánico, su forma animal. Se trata de un disco cocinado en los altos hornos de la pandemia y los confinamientos de 2020 y 2021. Ese es el contexto en el que fueron escritas y compuestas estas canciones, en la absoluta soledad de un pueblo fantasma. Se encuentran, por tanto, “imbuidas por ese espíritu como de final, de más allá, milenarista”, en palabras del propio Fernando Alfaro. La trascendencia que evoca conecta con lo que fueron aquellos días; estamos ante un trabajo majestuoso, solemne y autoexploratorio pero sin caer en lo evidente.

El disco saldrá al mercado el próximo 5 de mayo a través de Sonido Muchacho. 'Más allá' ha sido producido por Fino Oyonarte y Surfin' Bichos, con mezclas de Pepo Cifuentes y masterización a cargo de Carlos Hermández.

Tracklist:

01.| Máquina que no para
02.  El caballo del mar
03. El baile del más allá
04. Lotus Europa
05. Luz del Mediterráneo
06. Alumbrando el fin
07. Señales
08. Mortal
09. Yo que te he visto
10. Tu propia Navidad
11. Conversación ultrafónica a las 4 am
12. La mujer invisible

[Fuente: sonidomuchacho.com]

30 abr 2023

Inauguración placa conmemorativa y conciertos de la Moguda Rock Terrassa de los 80

Este sábado la gente de Terrassa esperaba impaciente la inauguración de la placa conmemorativa en la esquina de lo que había sido el bar Mesón de Los Arcos. Estaba cubierta con un cartón, pero no pasaba desapercibida. Los que sabían lo que pasaría a las cinco y media de la tarde esperaban de pie delante y los alrededores de la Vella. Algunos se acercaban y miraban por debajo intentando descubrirlo. Otros esperaban haciendo un café en el bar de la esquina. 

El texto de la placa dice: "En aquest emplaçament hi havia el bar Mesón de los Arcos on van néixer moltes bandes de Rock de Terrassa. Totes aquestes bandes van impulsar la Moguda Rock dels anys 80 del s. XX a la nostra ciutat creant un llegat que avui encara perdura" (“En este emplazamiento estaba el bar Mesón de los Arcos en el que nacieron muchas bandas de Rock de Terrassa. Todas estas bandas impulsaron la Movida Rock de los años 80 del s. XX en nuestra ciudad creando un legado que hoy todavía perdura”). 

La comisión de la Movida Rock Terrassa 80's ha iniciado el evento con unos discursos que han tenido lugar en el escenario ubicado en medio de la plaza Vella de Terrassa. En el acto ha estado presente el alcalde de Terrassa, Jordi Ballart, y la concejala de cultura, Maria Rosa Boladeras. Ballart ha dedicado unas palabras, agradeciendo la participación de la gente y asegurando que "no se entendería Terrassa sin la época de los 80, donde hubo una eclosión muy importante de rock, de música, de cultura y libertad", y ha añadido que "no se entendería esta ciudad sin todas aquellas personas que venimos de una época oscura, una época donde la intolerancia y el odio estaba a la orden del día".

Sonia, hija pequeña del dueño del Mesón de Los Arcos, también ha querido agradecer la intención del acto. "Me hace mucha ilusión que haya pensado en nosotros, en nuestra casa y la que fue también vuestra casa", ha asegurado orgullosa. Jordi Estapé, histórico en el Diari de Terrassa, y otras figuras importantes de la movida también han dedicado unas palabras al acto histórico del rock terrasense.

Seguidamente, a las 18 de la tarde, han iniciado los conciertos y la gente que ha ocupado la plaza céntrica de Terrassa ha podido disfrutar de la música en directo. Han actuado grupos de música de los años 80 en Terrassa: Chapando Garitos, Kansaths, Jinetes del Tiempo, Hernández y Fernández, la Non Regresed Band, Forajidos, Arrastrados, Esquizofrenia, Isa Kaissa y ADN. El acto, que ha animado a todo el público asistente este último sábado de abril, ha celebrado la música, la amistad y ha lanzado un mensaje claro: "Larga vida al rock and roll".

[Fuente: Judit Trenchs para diarideterrassa.com -Enlace original-]

'Mucha policía, poca diversión', la versión afrocubana del clásico de Eskorbuto

En plena pandemia del 2020, dos bandas de Barcelona unieron sus esfuerzos y su pasión por la música para crear un proyecto innovador: Lenin "Güiroloco" & The Salsa Punk Orchestra. Esta banda fusiona los ritmos del Punk y la Salsa, creando un sonido que es único en su género.

Lenin "Güiroloco" Jiménez es un artista de la escena barcelonesa con más de 15 años de experiencia en la música. Durante su carrera, ha actuado con diferentes orquestas y también ha liderado su propia banda. A pesar de su amor por la música Salsa, Rock y Punk, Lenin notó una falta de fusión entre estos géneros y decidió hacer algo al respecto. En 2015, comenzó a crear versiones salseras de canciones de Rock y Punk como "Canción animal" de Soda Stereo, "Salve" y "Delincuencia" de La Polla Records.

Por otro lado, Rolling Vibes Collective es una banda musical que ha estado trabajando desde el año 2017. En sus actuaciones, la banda utiliza una variedad de ritmos como el Reggae, Ska, Rap y Funk. Con un repertorio original y acciones teatrales, Rolling Vibes Collective garantiza que el público disfrutará y bailará durante toda su actuación.

La fusión musical de estas dos bandas dio como resultado la creación de un sonido verdaderamente único. En lugar de simplemente unir los dos géneros, Lenin "Güiroloco" & The Salsa Punk Orchestra han creado una mezcla perfecta de elementos clave de ambos estilos. Con una guitarra distorsionada, batería, bajo sólido y los instrumentos característicos de la Salsa como la conga, el güiro, bongó, campana, sección de vientos y el piano, la banda ofrece un sonido salsero/punk que hace que el público baile y disfrute de su música.

La propuesta musical de "De la clave al pogo" busca ensalzar las similitudes entre el Punk y la Salsa, dos géneros que aparentemente no tienen mucho en común. Sin embargo, ambos géneros comparten una actitud rebelde y una energía contagiosa que la banda aprovecha para crear un sonido auténtico que conecta con su audiencia.

[Fuente: eitb.eus -Enlace original-]

29 abr 2023

'Greta Garbo' será el nuevo trabajo de Enrique Bunbury

Bunbury ya tiene nuevo disco en ciernes y se titula 'Greta Garbo'. Registrado en El Desierto Casa Estudio en México, con la colaboración de Adan Jodorowsky en el trabajo de producción, mezclado en Los Ángeles por Jerry Ordóñez y en las labores de masterización con la figura de Bernie Brundman. El primer single de lanzamiento fue 'Invulnerables', al que le ha seguido 'Alaska'.

Según el propio autor, así se ha gestado 'Greta Garbo':

"Siempre es difícil para un artista resumir o explicar una obra. Todos los álbumes que grabé son hijos de su tiempo y de las vivencias que rodearon la grabación y la composición. Suenan así por las circunstancias que precedieron y acompañaron la escritura y la interpretación de los mismos. Un álbum es una experiencia interpersonal, dependiente del equipo técnico y humano y la localización geográfica durante el proceso creativo y el registro sonoro.

Este es la consecuencia directa de un año crítico en mi vida profesional. Después de haber grabado dos discos ('Posible', mayo 2020 y 'Curso de levitación intensivo', diciembre 2020) y medio ('El Puerto Ep', diciembre 2021) durante el periodo de restricciones por la pandemia, por fin volvía a la carretera con la primera gira en casi tres años. La gira coincidía con el 35 aniversario de la publicación de mi primer disco en 1987 junto con mis compañeros de Héroes del Silencio y quisimos que fuera un recorrido por toda mi carrera, desde mi primera etapa junto al grupo, hasta mis últimos álbumes como solista. Desgraciadamente, la gira fue extremadamente complicada y traumática para mí. Con todo sold out, tanto en México como en Estados Unidos, subirme al escenario se fue complicando día a día y cada vez más. Mis problemas físicos incluían una tos compulsiva y nocturna, que me impedía dormir y destrozaba la garganta y una extraña sensación de arena en los pulmones. Psicológicamente, cada día suponía escalar nuevos ochomiles, en un reto imposible. Finalmente, cancelamos todos los shows restantes y, desesperado, decidí aceptar que no podría subirme más a los escenarios en esas condiciones.

Durante ese periodo y en los meses posteriores, escribí las canciones del nuevo álbum. Algunas manifestaban la rabia y el descontento provocado por la situación. Otras, se asomaban a un atisbo de esperanza, viendo en la creación, mi última salida. En bastantes de las canciones incluidas en el disco aparece una mezcla de inquietud y entusiasmo ante algo que podríamos denominar el síndrome Greta Garbo. La famosa actriz sueca, decidió abandonar la escena cinematográfica a la edad de 36 años, en el cénit de su carrera. Las circunstancias me hicieron pensar en que, aunque siguiera escribiendo y componiendo, alejarme de los escenarios, provoca una distancia con el público no del todo deseada. Este álbum es una respuesta al trauma sufrido durante todo este periodo."

De publicación inminente (previsto para finales de mayo), la edición de 'Greta Garbo' aparecerá en formato vinilo, Cd y una limitadísima tirada en cassette firmadas por el propio Bunbury.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

27 abr 2023

"No hay tiempo que perder" de Último Resorte

"Lo teníamos muy en secreto, pero es hora de anunciarlo. Reeditamos dos de las ediciones más icónicas del Punk Ibérico recopiladas en un LP⁣.

Último Resorte “No hay tiempo que perder” LP, 2023⁣ Edición 40 Aniversario, coeditado con The Little Jan's Hammer Records.

Remasterizado desde las cintas originales por Víctor García⁣. 

Incluye:

- Ultimo Resorte “Ultimo Resorte” 7”EP (Flor y Nata Records, 1982)⁣
- Ultimo Resorte “Una causa sin fondo” 12”EP (Flor y Nata Records, 1983)
 - Bonus Tracks: 6 temas de una Demo grabada en 1981⁣".⁣

Tracklist

01. Cementerio caliente
02. Peligro social
03. Johnny Mofeta
04. Violencia
05. Barcelona es diferente
06. Anticristo
07. Basta ya de radioactividad
08. Cementerio caliente (maqueta 1981)
09. Peligro social (maqueta 1981)
10. Johnny Mofeta (maqueta 1981)
11. Barcelona es diferente (maqueta 1981)
12. Año 2000 (maqueta 1981)
13. Autodestrucción (maqueta 1981)
14. Una guerra sin fondo
15. La gran estafa
16. Agresividad controlada
17. Presos
18. Autodestrucción

 [Fuente. BCore Disc]

24 abr 2023

"No sentía que nos resultara más complicado salir adelante que al resto de grupos locales masculinos". Entrevistamos a Susana, Mentxu, Esther y Marta de Pléyade

Cinco mujeres vitorianas irrumpen en el panorama del rock nacional en 1984 haciéndose llamar Pléyade. El grupo fue cambiando de componentes, pero sin abandonar la esencia de ser una banda “all-girls” durante casi toda su existencia. Recientemente fueron co-protagonistas del documental ‘Ellas son eléctricas’, dedicado a las pioneras del hard-rock en nuestro país. 

Y es que Pléyade fueron una de las pocas bandas integrada únicamente por mujeres durante aquellos principios de los años ochenta. Ahora tenemos el placer de tenerlas en Nuevaola80 para que nos respondan a algunas preguntas. Y lo hacen de forma coral, por lo que les dejamos con Marta Aldama (voz/batería), Esther Santamaría (guitarra), Mentxu Herreros (bajo) y Susana Díaz de Durana (teclados).

En la foto, gentileza de Susana Díaz de Durana, están todas las componentes del grupo, a excepción de Espe Llave y Ana Elguea, guitarra y batería respectivamente de la primera formación de Pléyade. De izquierda a derecha: Marta Aldama (batería/voz), Esther Santamaría (guitarra), Karol Zenarruzabeitia (voz), Eva Muñoz (voz), Mentxu Herreros (bajo), Susana Díaz de Durana (teclados) y Rosa Soleto (guitarra).


Para empezar, pregunta casi obligada: ¿Cómo se respiraba en el País Vasco durante aquella época, en lo que se refiere a la aceptación de mujeres que quisieran hacer rock?

Nosotras empezamos a tocar juntas en 1984. Surge en una ambiente informal, nos conocíamos por frecuentar los mismos ambientes, conciertos, bares…nosotras en todo momento nos hemos sentido aceptadas. De hecho, surgen cambios en la banda, y no resulta muy complicado buscar y encontrar nuevas componentes.(Esther).

Entonces no teníamos mucha conciencia de estos temas, como dice Esther, surge de una forma informal y natural. Para nosotras era una diversión y en todo momento sentimos que estábamos ocupando el espacio sin problemas añadidos por ser mujeres haciendo Rock. (Susana).

Como bien dice Esther, siempre nos sentimos aceptadas por compañeros y público. Eso sí, no sé si en general con el rock femenino, pero en Pléyade no sentimos el apoyo de los medios de comunicación de la época. (Mentxu).

Por iniciativa de Leo Cebrián y Paco Manjón, se da a conocer en 2021 el documental ‘Ellas son eléctricas’, un auténtico revulsivo para dar a conocer a todas esas mujeres que demostraron que también tenían cabida en el rock duro ¿Cómo de complicado os resultó salir adelante en aquel “mundillo” casi exclusivo para el género masculino?

No creo que esa exclusividad de la que hablas tuviera relación con el hecho de salir adelante o no. Es más bien una conjunción de factores como la preparación, la oportunidad e incluso la suerte. (Marta).

En mi caso, tocar la guitarra y juntarse para tocar era una forma de divertirse, un buen plan. Éramos muy jóvenes y no nos planteábamos que tocar Rock era exclusivo para el género masculino, aunque en realidad sí lo era. En nuestro caso, no nos resultó complicado, por lo menos en su inicio, porque tampoco nos habíamos planteado metas, era algo lúdico. (Esther).

Yo no sentía que nos resultara más complicado salir adelante que al resto de grupos locales masculinos de nuestra zona. Como apunta Marta, la complicación tenía que ver con la constancia, el esfuerzo, el compromiso y la suerte, creo que como actualmente (Susana).

¿Cuándo notasteis que lo vuestro era el rock duro?

A mi me gusta el Rock en general, y también otros estilos de música, dependiendo del momento y de la calidad musical. Puedo ir a un concierto de Rock, a uno de Flamenco, Música Clásica….yo por aquel entonces estudiaba en el Conservatorio.(Esther).

En los principios de los 80, hubo una explosión musical y cultural. En el ambiente donde nos movíamos escuchábamos Hard Rock, Punk, Heavy Metal etc … Era casi imposible que nos gustara otra cosa, ja, ja. A día de hoy me sigue apasionando el Rock. (Mentxu).

A mi también me gustaban y me gustan muchos estilos musicales y había estudiado Música Clásica en el Conservatorio. Pero en los 80, estábamos a tope con el Hard Rock, era inevitable (Susana).

A pesar de que tuvisteis algunas ofertas de discográficas interesadas en plastificar vuestro material, vosotras lo rechazasteis ¿Por qué razón?

Porque no creíamos estar preparadas a nivel técnico. Hacer conciertos y la marcha diaria del grupo era algo desenfadado, grabar disco nos parecía bastante más serio y no nos atrevimos. (Marta).

Efectivamente, los primeros años fueron de diversión sin grandes aspiraciones. Va pasando el tiempo y la exigencia técnica y profesional aumenta, había que tomar una decisión en un momento en el que algunas acabábamos los estudios, entrábamos en el mercado laboral, nos independizábamos… Y la decisión fue no seguir con la música de esa forma (Susana)..

A pesar de todo, aparecéis en aquel recopilatorio ‘Rock a todo Gas… Teiz’ que Cuvyco publicaba en 1988, y os adaptáis a un sonido más cercano al hard--rock melódico. Contadnos cómo fue todo aquel proceso.

Al principio las canciones tenían un sonido más duro porque estaban compuestas por Pedro Larrañaga (Piruleta de Hormigón). Después fuimos evolucionando hasta ir encontrando nuestro estilo , que era, como dices, más melódico. (Mentxu).

Obedeció a la evolución de nuestros gustos musicales, eran los temas que en esos momentos estábamos componiendo y con los que nos sentíamos más a gusto interpretándolos. Habíamos cambiado de cantante, incorporado teclado… (Susana).

‘Sin sentido’ y ‘Dosis de rock’ fueron los dos temas escogidos. ¿Por qué éstos y no otros?

Había que elegir dos. Supongo que nos parecieron las adecuadas. (Mentxu).

Eran los que pensamos que nos definían mejor en aquellos momentos. (Susana).

Eran temas nuevos y estaban mejor arreglados, sonaban más redondos. (Marta).

Tras Pléyade, ¿Cuáles de vosotras continuasteis en el mundo de la música?

Únicamente yo (Marta) continué musicalmente. Cambié el micro por las baquetas y estuve varios años más tocando Blues, Punk Rock y Heavy Rock.

En 2017, la conjunción de fuerzas entre Gadir Records y Héroes de Culto propicia la aparición de un nuevo recopilatorio, dentro de la serie ‘Condenados al olvido’ dedicados a grupos de mujeres donde os incluyen vuestra demo de 1985. ¿Qué pensáis al respecto de estas iniciativas por recuperar todos aquellos sonidos perdidos?

Que son unos locos encantadores, ja ja ja. (Marta).

Bueno, pues que gracias a estos "locos" se rescataron no sólo canciones de bandas "condenadas al olvido" si no la manera de vivir y sentir de aquellos años. Grandes Paco y Jesús. (Mentxu).

Ha sido un regalo y una oportunidad revivir aquellos años, mirarlos desde la distancia y ser conscientes de lo que significaron para nosotras y descubrir que también han sido una pequeña y humilde aportación a la historia del R&R de este país. (Susana)..

Por último, ¿Existe algún nuevo proyecto que os apetezca hacer tras esta especie de “revival” del grupo?

No nos hemos planteado la posibilidad de hacer un nuevo proyecto. (Esther).

Proyectos musicales no tenemos en mente. Eso sí, seguimos quedando de vez en cuando para divertirnos como cuando empezamos. (Mentxu).

Muchas gracias por vuestro tiempo. Muchas gracias Pléyade por vuestra música.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

Radiografía de 'Música Moderna', el libro de Miguel Stirner

'Música moderna', ummm… De inmediato uno se pone en situación, ¿1979-80? Por ahí, por ahí, entre El Zurdo y Herminio Molero anda la cosa. Para mí el año 1979, cuando arranca el libro, no está ligado ni al perezoso rock sinfónico-progresivo ni a ninguna aventura destacable: ni viajes a Londres ni encuentros sexuales relevantes; en cuanto a pastillas se refiere, tan solo las que mi madre me daba, y esas, como bien aseguraba Grace Slick, esas no te hacían absolutamente nada. El brillo y el lustre necesario me lo daba la recién descubierta FM, a través de un pequeño transistor de mano Sanyo donde “Súper-Superman” y el “Knock On Wood” de Amii Stewart me sonaban a gloria bendita.

Por edad e ideología de quinceañero revolucionario tampoco me atraían ni Tequila ni Moris, que sí escuchaban en los autos de choque. Lo mío eran los cantautores sudamericanos Claudina y Alberto Gambio, Olga Manzano & Manuel Picón, Inti Illimani, Victor Jara y los galaicos, claro, cantautores también y grupos folk, estaba hecho todo un chiquitito quilapayún. Hasta que llegó el London Calling y lo cambió todo. Entonces me pillé el 1º LP de Nacha y lo escuchaba cada día antes de salir a la calle, de hecho podría cantar todas las letras de memoria, me las aprendí con tal de olvidar la tabla periódica de elementos y la ley de Ohm. Por eso envidio al autor de “Música moderna”, siempre pensando en el futuro y abriéndose paso con sus estudios, yo en cambio le hice caso a Nacho G. Vega en lo de “no te asustes del futuro, ese monstruo no vendrá”, y sí, vaya si vino, me pilló como quien dice en bragas, en mi caso en blancos abanderados.

Dorian Gris y su descenso a las tinieblas del corazón, quiero decir, al corazón de las tinieblas, donde podría der el capitán Willard con una misión muy concreta; el coronel Kurtz que aquí sería -claro está- el malo de la historia, el productor estrella Julito. Más paralelismos, Dorian es Jeffrey Beaumont y el temible monstruo argentino, Frank Booth. Ambos venden su alma al diablo, maricón tanto el que da como el que recibe, por el polvo blanco me echaron del banco. Me encantan las pollas pero detesto a los tíos, ¿o será al revés, cuando tras un soportable primer encuentro ya no concibamos que nos enfilen por detrás?
 
Como mínimo esta magna obra de Stirner merecería llamar la atención de algún guionista plataformero sin prejuicos, quedaría genial en una serie echando mano de la narración en off, como en la peli inglesa “Submarine” de hace una década, pero ya se sabe que en lo musical este país no avanzará nunca; es una etapa esta a estudiar, la de la nueva ola, quedó aplastada por la movida que la devoró hasta hacerla desaparecer incluso del recuerdo colectivo, más allá de tres nombres clásicos y un ramillete de himnos generacionales, pero he de reconocer también que pocos lanzamientos de multinacional me atrajeron en su día, como muchos aficionados los consideraba ‘prefabricados’, fue el caso de Trastos, Tebeo o Tacones, comenzando por esas portadas truculentas tan típicas de las multis.
 
Pienso sinceramente que tiene una gran calidad literaria, Miguel Stirner no ahorra detalles en las descripciones de ambientes, ciudades, vestimentas, decoraciones, arquitecturas y moralidades, estupefacientes y yonkilandias, mapas corporales y diarreas mentales varias, todo lo que nunca hasta ahora nos habían contado de ese aparentemente glamuroso sector discográfico capaz de manejar los gustos musicales de este país a base de chequeras, cocaína, mentiras, falsas promesas y abusos de autoridad. Un valiente y cronometrado relato de hasta dónde seremos capaces de llegar con tal de alcanzar el paraíso, el éxtasis, la felicidad, la inmortalidad, en dos palabras: The Horror!

[Redacción Nuevaola80. Manu Guinarte]

García-Alix y Ouka Leele en 'Caleidoscopio', una muestra de Madrid vista por grandes fotógrafos

La Colección de Fotografía Alcobendas celebra su cuarenta aniversario y el Espacio Cultural Serrería Belga lo celebra con la exposición 'Caleidoscopio', que reúne por primera vez una selección de imágenes de sus fondos en las que Madrid ocupa el eje central.

Las imágenes captan a la perfección la energía vibrante de la ciudad y vienen firmadas por grandes autores, muchos de ellos Premios Nacional de Fotografía, como Ramón Masats, Alberto García-Alix, Ouka Leele, Cristina García Rodero y Manuel Sonseca.

En la muestra se pueden contemplar tanto retratos como paisajes, espacios o gestos capturados por los objetivos de estos grandes artistas que nos regalan una mirada distinta de la ciudad, ofreciendo al visitante la oportunidad de acercarse a una visión desprovista de prejuicios y de estereotipos de la capital.

'Caleidoscopio' recoge obras desde los años 50 hasta los 2000 que reflejan el latido de la ciudad desde una perspectiva diferente en el que se retrata a sus gentes, personajes y rincones, en líneas con la apuesta de Serrería Belga por acoger proyectos expositivos que muestren el latido cultural de la ciudad.

La muestra se puede visitar hasta el 31 de julio en horario de 11:00 a 20:00 horas de martes a viernes, de 12:00 a 20:00 horas los sábados y de 12:00 a 18:00 horas los domingos.

[Fuente: madridiario.es]

RTVE crea el Premio Carlos Tena para la labor de divulgación musical en los medios de comunicación

En homenaje al legendario periodista y presentador, RTVE ha creado el Premio Carlos Tena para la labor de divulgación musical en los medios de comunicación. En su reunión de este jueves, el Consejo de Administración de la corporación ha aprobado por unanimidad la iniciativa de instaurar este nuevo galardón. Tena murió la semana pasada a los 79 años de edad.

Como uno de los rostros más populares de la televisión en los años setenta y ochenta y símbolo de la Movida, Tena presentó algunos de los programas más míticos de la época, como 'Popgrama' o 'A uan ba buluba balam bambú'.

El crítico musical trabajó en RTVE durante casi 20 años, desde su entrada en Radio Peninsular en 1965. En 1973 fue nombrado delegado de programas musicales de la emisora pública ante la Unión Europea de Radiodifusión (UER). También dirigió y presentó 'Para vosotros jóvenes', que fue Premio Nacional de Radio, 'Clásicos Populares' (1976), 'Discofrenia '(1980), 'A la Luna, a las dos y a las tres' (1982) o 'En el aire' (1983).

La propia RTVE destacó el día de su muerte que "la ideología progresista" de Tena "hizo que se enfrentase constantemente a las fuerzas conservadoras de la época". Y, precisamente, uno de esos enfrentamientos provocó su salida de la corporación.

El presentador, en uno de los momentos más recordados de su carrera, invitó a Las Vulpes al programa 'Caja de ritmos' que él dirigía. La actuación del grupo, que adaptó el 'I wanna be your dog' de los Stooges a un castellano 'Me gusta ser una zorra', supuso la cancelación del espacio. Tras ello, Tena presentó su dimisión. Él fue quien llevó a la televisión a Las Vulpes, que cantaban, en aquella época, "prefiero masturbarme yo sola en mi cama antes que acostarme con quien me hable del mañana". Era el 16 de abril de 1983, justo casi 40 años antes de la fecha del fallecimiento del periodista.

Tena siguió presentando diversos espacios musicales en otras televisiones y radios como Telecinco, Antena 3 y Onda Cero. También fue productor de varios discos y escribió artículos en varios periódicos. Por los espacios que condujo pasaron mitos de la música como Mike Oldfield, Queen, AC/DC, Patti Smith o Bob Marley.

[Fuente: S. León para publico.es -Enlace original-]

23 abr 2023

Ricardo Carrero publica 'Juan, Enrique y yo. Mis Costus', en torno a la pareja pictórica de la movida madrileña

La Fundación Rafael Alberti acogió el pasado jueves la presentación del libro 'Juan, Enrique y yo. Mis Costus', obra de Ricardo Carrero Galofré, hermano de Juan Carrero, uno de los pintores Costus.

Ricardo Carrero, licenciado en Historia del Arte y bibliotecario jubilado de la Universidad de Cádiz (UCA), compartió numerosas vivencias con Costus, la famosa pareja sentimental y artística formada por su hermano Juan y por el gaditano Enrique Naya, transformándose en memoria de los pintores de la Movida madrileña, que retrataron en sus cuadros a un gran número de los artistas y personajes de la vida social que formaron parte de los años 80.

La obra ha sido publicada en ediciones El Boletín, y la presentación del libro y su autor estuvieron a cargo de Paqui Ayllón y Gonzaga Delage,  en el salón de actos de la Fundación Alberti. La presentación formó parte del programa de actividades por el Día Internacional del Libro, organizado por la Concejalía de Cultura de El Puerto.

Pese a lo que podría parecer, el libro de Ricardo Carrero no es una obra sobre la movida, sino más bien sobre las anécdotas y vivencias con Costus y sus amistades, como Tino Casal y Alaska, algunos de los cuales acudían a visitarles a El Puerto durante los años que vivieron en la ciudad, de forma previa al fallecimiento de ambos en Sitges.

Además de estos apuntes personales, obtenidos de sus diarios, el antiguo bibliotecario de la UCA ofrece en la obra una relación bibliográfica detallada de sus exposiciones, reseñas en revistas y en prensa, libros, y un gran número de datos "que serán muy útiles para los historiadores que quieren conocer la vida y las actividades de Costus; las exposiciones que hicieron en vida y las posteriores. Se trata de una aportación que como historiador, familiar directo y experto en Costus quiero que quede para el futuro", afirma Ricardo Carrero.

En su trabajo, hace una compilación muy completa dando como resultado este libro. "Si alguien quiere de forma esquemática ir consultando todos los diarios y todo lo publicado sobre ellos, las fechas son muy exactas. Constituye una guía perfecta, como la de Ikea, para montar algo en torno a su vida y su obra. Aunque ya se han escrito muchas cosas sobre ellos: libros, artículos, revistas... ahí están todos los datos muy resumidos, todo lo que se ha publicado hasta ahora", añade Ricardo.

Si hay alguien que ha fomentado la obra de Costus desde que fallecieron en 1989, esa persona es Ricardo Carrero. En especial en relación a su hermano Juan, que, aunque nació en Palma de Mallorca, inició en El Puerto su carrera como pintor, celebrando en la ciudad sus primeras exposiciones y dejando numerosos cuadros de esta primera época.

Un número importante de ellos han sido donados por Carrero al Museo Municipal de El Puerto, en el que está prevista la apertura de una sala dedicada a su hermano, ya que existe incluso un cuadro de la madre de ambos, Lourdes Galofré, obra de Costus, que también ha sido cedido a la ciudad.

La pareja de pintores desarrolló la mayor parte de su carrera artística en Madrid, pero bajaban a El Puerto en distintas fechas, en vacaciones y para ver a su familia. Finalmente, ya en los últimos años, decidieron mudarse a la ciudad portuense, por lo que en el libro "aparecen anécdotas de esta última etapa".

El libro es un trabajo realizado en detalle, con un cuidadosa edición. Con su publicación, Ricardo Carrero ve cumplida la misión de promover y mantener viva la memoria de su hermano. "En junio, cumplo 70 años y quería dejar todo bien documentado y cerrar una etapa. La memoria se va deteriorando y perdiendo. Quien lo lea va descubrir el paso de Costus por El Puerto", concluye.

La obra se presentó también en el ECCO de Cádiz ayer sábado, a las 12:30 horas, y el 2 de mayo en Jerez. Posteriormente, se dará a conocer en Madrid, con motivo de una exposición sobre las pinturas que realizaron para el mítico pub La Vía Láctea.

[Fuente: Carlos Benumeda para diariodecadiz.es -Enlace original-]